|
|
|
Walter
Ruttmann
fue
uno de los pioneros del cine experimental y de gran
influencia para los trabajos posteriores en este campo.
Arquitecto y
pintor, su
carrera en el cine empezó a principios de los años 20 y
fue un prominente exponente de la música y el "avant garde".
Su primer corto fue "Opus I" (1921) y posteriormente "Opus II" (1923), importantes obras experimentales que utilizan al cine como una nueva forma de expresión. La influencia de estos trabajos abstractos es muy clara en la obra de Oskar Fischinger en la década de 1930. Ruttmann y sus colegas de movimientos "avant - garde", enriquecieron el lenguaje del cine como medio expresivo, utilizando nuevas técnicas: sus trabajos son un parteaguas en el arte que se desarrolló posteriormente con las imágenes en movimiento. Lichtspiel, Opus 1 - an abstract short film by Walther Ruttmann [LOCAL only] Lichtspiel, Opus 1, 1921 / |
 |
 |
| Artista
y cineasta sueco. Su trabajo es
muy importante en el área del cine experimental. Fue muy respetado
por
sus contemporáneos por la
precisión y metodología de su dibujo, así como la sincronización con
la
música y sus estructuras. En 1920, con Hans Richter, empezó a
experimentar con película. En colaboración con Erna Niemeyer, Eggeling realizó un film lamado Symphonie Diagonale, completada en 1924 y exhibida por primera vez en Mayo de 1925, justo antes de morir. Al enterarse de su muerte, Moholy-Nagy dijo de él: " De entre los artistas actuales, él era uno de los creadores y pensadores más lúcidos. Su significancia será proclamada con fanfarrias por historiadores del arte en los años venideros". Aunque fue reconocido por sus contemporáneos, lamentablemente ahora su trabajo ha sido prácticamente olvidado. |
 |
 |
|
Su
introducción
al arte moderno, fue a través de su
contacto con el grupo "Blaue Reiter" (1912), el cubismo (1914),
y fue
uno de los miembros más representativos del movimiento Dada en
Alemania. En 1920 fue miembro del November Group en Berlín y De
Stijl.
Sus primeros trabajos abstractos con película, fueron en 1917. En 1919 creo su primer Prélude (la orquestación de un tema desarrollado en once dibujos). Rhythmus 21 (1921), es considerado uno de los trabajos más importantes de la etapa temprana de la película abstracta. "Yo concivo el cine como una forma de arte moderno, particularmente interesante al sentido de la vista. La pintura tiene problemas peculiares y sensaciones específicas, también el cine las tiene. Pero también existen problemas donde la línea divisoria es muy delgada, o es muy difícil de encontrar; especificamente, el cine puede cumplir ciertas promesas hechas por las artes clásicas, en el momento en que la pintura y el cine se hacen amigos y trabajan juntos." Hans Richter - Rhythm.23 (1923) [LOCAL only] Rhythm 23 (1923) / |
 |
 |
| Léger nació en
Normandia
en 1881. Inicialmente estudió arquitectura de 1897-1899, hasta
mudarse a París, en 1910, donde trabajó haciendo dibujo
arquitectónico. Después del servicio militar en Versalles
(1902-1903), se inscribió en la Escuela de Artes
Decorativas y aplicó a la Ecole des Beaux-Arts, donde
fue rechazado; sin embargó atendió a clases como oyente,
lo cual describió después como "tres años vacíos e
inútiles". Empezó a trabajar como pintor profesional a los 25 años. Aunque su principal medio fue la pintura, influenció a muchos artitas y arquitectos, así como a muchos movimientos y corrientes. Como entusiasta de la modernidad, Léger sentía una gran atracción hacia el cine, y en algún momento, consideró dejar a un lado la pintura para hacer películas. En 1923-24 diseñó la escenografía para la ecena del laboratorio en la película de Marcel L'Herbier, L'Inhumaine (El Inhumano). En 1924, hizo una colaboración con Dudley Murphy, George Antheil y Man Ray; Léger produjo y dirigió la película más icónica e influenciada del Futurismo: Ballet Mécanique. Ni abstracto, ni narrativo, muestra una serie de imágenes de los labios y dientes de una mujer, close-up de objetos ordinarios e imagenes repetidas de actividades humanas tanto como mecánicas en movimientos ritmicos. Sin duda una influencia importante en la forma de hacer cine en los años posteriores. |
 |
 |
|
Man
Ray
(Emmanuel Radnitzky) fue protagonista de las vanguardias
artísticas del
novecento. Fue un gran experimentador, tanto en el campo de la
fotografía y del cine, como en la pintura, el collage, y la
escultura. Por su taller pasaron grandes personalidades de
la época, como son Marcel Duchamp, Robert Desnos, Salvador
Dalí, Luis
Buñuel, Paul Eluard, André Breton, Antonin Artaud, Max
Ernst, Picabia, Jean Cocteau, Tristan Tzara, entre otros.
Le Retour A La Raison (The Return to Reason) es un film en blanco y negro realizado por Man Ray en 1923. La música es de Donald Sosin. [LOCAL only] El regreso a la razón / Página Man Ray / |
 |
 |
| Marcel Duchamp - cronología. Marcel.Duchamp.-.Anemic.Cinema .(1926) Entrevista
(1966)
(1)
(2)
Filmadas
en 1964. En esa época Duchamp vivía en
Philadelphia mientras trabajaba en su última pieza, Etant Donne
"The
Given." Probablemente filmado en la ciudad de Nueva York. (3)
(4)
[LOCAL only] Anemic Cinema (1926) |
 |
 |
 |
 |
| Uno de los principales
y más
reconocidos personajes de la llamada "animación abstracta", Oskar
Fischinger, se formó como ingeniero y dibujante. Al principio
consideraba a la
pintura como un apoyo para su trabajo y posterirmente se
convirtió en uno de los principales medios para sus películas. Su trabajo fue experimental, pero también "comercial". Sus películas se vendían para proyectarse en cines y también se utilizó su talento para campañas publicitarias, de gran popularidad. A principios de los 40s, la Guggenheim Foundation le pidió específicamente una animación por celdas, pero Fischinger hizo su film Motion Painting No. 1 (1947) como una documentación del acto de pintar, haciendo cuadro por cuador cada vez que daba una pincelada. Aunque debido a esto nunca más recibio fondos para ninguna película, la impresionante Motion Painting No. 1 ganó el Grand Prix en la Brussels International Experimental Film Competition en 1949. A finales de los 40, Fischinger inventó el Lumigraph (patentado en 1955) lo que algunos llamaron un órgano de color. Se necesitaban dos personas para operar el Lumigraph: una para manipular la pantalla para creas las imágenes, y otra para cambiar los colores de la luz en el momento preciso. El aparato en sí era silente, pero la proyección era acompañada de música en vivo. Fischinger hizo varias presentaciones en los cincuenta dejando a todos impresionados por las imágenes espectaculares. En 1964 el Lumigraph fue utilizado en una película de ciencia ficción, The Time Travelers, en la cual funcionaba como una 'máquina del amor', lo cual no era la espectativa de Fischinger; aunque era una de sus intenciones. El Lumigraph nunca llego a ser un producto comercial. Otras películas de Fischinger también figuraron en la lista de las mejores películas del mundo en la Olympiad of Animation de 1984. |
 |
 |
|
Len
Lye
( Leonard
Charles Huia Lye )
también fue un gran innovador en la animación
experimental. Artista
neozelandés, conocido por su cine experimental y sus esculturas
kinéticas, utilizó
diferentes
técnicas para sus películas, como la
"animación directa".
En muchos de sus films usó diferentes herramientas y materiales como tintes, stencils, air-brushes, plumas, sellos, peines e instrumentos quirúrgicos, para crear imágenes y texturas en el celuloide. En Color Cry, utilizó el "fotograma",método combinado con varios stencils y telas para crear patrones abstractos. Es una animación directa de 16mm, con un mordaz soundtrack realizado por el cantante de blues Sonny Terry. Lye fue también un importante escultor kinético. Durante su vida, la investigación del movimiento en las formas artísticas fue muy relevante. Veía al cine y a las esculturas kinéticas como "arte del movimiento", sobre el cual teorizó de forma muy original en sus ensayos (compilados en el libro "Figures of Motion"). A Color Box (1935) Pintado directamente sobre la película. Rainbow Dance (1937) Particles in space (1966) [LOCAL only] A Color Box (1935) / Rainbow Dance (1937) / Particles in Space (1966) |
 |
 |
| Norman McLaren fue uno
de los cineastas
abstractos más importantes del periodo entre las guerras, en Gran
Bretaña. Nacido en 1914 en Sturlin, Escocia, estudió
en la Escuela de Bellas Artes de Glasgow en 1932 dónde se
empezó a interesar en el cine y se unió a la School's
Kine Society. Su primer film fue Seven
Til Five (Siete para las
Cinco de 1933), en donde narra un "día en la vida de una escuela de
arte"; claramente influencido por Eisenstein, muestra una actitud
formalista sólida. En su siguiente film, Camera Makes Whoopee (1935), McLaren retoma los temas explorados en Seven Till Five, pero de una forma más elaborada, en parte debido a la compra de una cámara de Ciné - Kodak, la cuál le permitía ejecutar numerosas tomas difíciles. McLaren usó efectos de pixilación, superposición y animación, no sólo para presentar la puesta en escena de un baile en una escuela de arte, sino también para explorar las sensaciones estéticas supuestamente producidas por dicho evento. En 1935, hizo otras dos peliculas abstractas: Colour Cocktail (que no sobrevivió) y Polychrome Fantasy, que entreteje la danza con abstracciones de color. Al año siguiente se involucró en cuestiones políticas y se enroló como miembor del Partido Comunista Británico. De ese interés, surgió Hell Unltd. (1936), co-dirigido con la escultora Helen Biggar. El film es uno de los más importantes hechos en el periodo entre guerras; una mezcla compleja de materiales, animación y gráficos, combinado en un ágil montaje para propósitos didácticos. Ese tipo de dedicación, lo condujo a trabajar como camarógrafo en la película de Ivor Montagu, La Defenza de Madrid (1936), que documentaba la resistencia de la República en la capital española. John Grierson se interesó en el trabajo de McLaren y le otorgó el premio de la "Mejor Película" en 1935 por la Scottish Amateur Film Festival for Colour Cocktail. Posteriormente McLaren fue miembro del GPO Film Unit. A diferencia de Len Lye, McLaren no desarrolló por completo sus facultades creativas ahí, pués se dedicó a hacer simples films educativos. Su trabajo más importante para la Film Unit fue Love on the Wing (1938), una animación que promovía al Servicio Postal, en el cual una serie de imágenes bidimensionales blancas, mutaban continuamente sobre un colorido fondo de varios planos en movimiento. En 1939 McLaren se mudó a Norteamérica y dos años después se unió de nuevo a Grierson en la National Film Board de Canadá, donde dirigió un buen número de films educativos. Se quedó en el National Film Board después de la guerra. A diferencia de cuando estuvo en el GPO, disfrutó de mucha libertad artística e hizo un gran número de animaciones innovativas y de películas abstractas, que le otorgaron una importante reputación internacional como artista visual. |
Norman McLaren - Dots , 1940 Boogie
Doodle
-
Película animada, hecha sin el uso de una cámara.
"Boogie" es la música, interpretada por Albert Ammons y
"Doodle" son los dibujos de Norman
McLaren, que combinados logran exitosamente el experimento
rítmico, brillante y colorido que es este film.
Spook Sport (1940) Synchromy - () [LOCAL only] Ejemplos anteriores / |
 |
 |
|
Mary
Ellen Bute fue una pionera de la
animación en América, siendo una de las primeras
mujeres en el cine experimental. Su especialidad fue la
musica
visual. A lo largo de su estancia en Nueva York, entre 1934 y
1953, hizo catorce
cortos musicales abstractos.
Bute estudió pintura en Texas y en Filadelfia, después iluminación en la Yale University, concentrándose en su interés hacia la tradición del color como un medio de pintura con luz. Trabajó con León Theremin y Thomas Wilfred y fue muy influenciada por el trabajo de animación abstracta de Oskar Fischinger. Comenzó su carrera de cineasta colaborando con Joseph Schillinger en la animación de visuales. Sus películas siguientes las hizo en sociedad con su fotógrafo de cine, Ted Nemeth, con quién se casó en 1940. Su último film, inspirado en James Joyce, fue Passages from Finnegans Wake, una película que le tomó casi tres años terminar (1965-67). En los 60s y 70s, Bute trabajó en dos películas que nunca se completaron: la adaptación de la obra de Thornton Wilder "The Skin of Our Teeth" (1942), y una película acerca de Walt Whitman, titulada "Out of the Cradle Endlessly Rocking". La mayoría de sus films fueron exhibidos en cines regulares como el Radio City Music Hall (NYC), generalmente antes de la proyección de películas comerciales. Mary Ellen Bute, miembro fundador del Women's Independent Film Exchange, murió a los 77 años; seis meses antes recibió un tributo y se proyectó una retrospectiva de sus film en el MoMa. |
 |
 |
| Maya Deren (Eleanora
Derenkowsky) fue una cineasta avant-garde y teórica
del cine de los años 40s y 50s. También fue coréografa,
bailarina, poeta, escritora y fotógrafa. A principio de la década de 1940, Deren usó parte de su herencia para comprar una cámara de cine de 16 mm Bolex. Usó esta cámara para hacer su primer y mejor conocida película: Meshes of the Afternoon (1943), en colaboración con su esposo, el fotógrafo y camarógrafo Alexander Hammid. Meshes of the Afternoon es conocida como una película seminal en el cine avant-garde. Originalmente silente y sin diálogos, la música para la película fue compuesta por su tercer esposo, Teiji Ito, en 1952. Esta película le ganó una beca de investigación por parte de la Guggenheim Foundation por "Trabajo creativo en cine"; también ganó el Grand Prix Internationale por cine esperimental en 16 mm en el Cannes Film Festival. En esa época, entre sus amistades figuraban André Breton, Marcel Duchamp, John Cage, y Anaïs Nin. También en 1943, Deren empezó a hacer una película con Marcel Duchamp, The Witches' Cradle, la cual nunca terminó. Deren atacó a Hollywood por su monopolio artístico, político y económico sobre el cine americano. Alguna vez dijo: “Yo hago mis películas con lo que Hollywood gasta en lipstick,” y “ha sido un gran obstáculo en la definición y desarrollo del cine como una forma creativa de las bellas artes". Deren distribuyó y promovió sus películas en conferencias y proyecciones en Estados Unidos, Canadá y Cuba. Con la beca Guggenheim, Deren viajo a Haití por su interés en el voodoo. Ahí no solo filmó mucho material acerca de los rituales voodoo, sino que participaba en ellos y se convirtió a su religión. Su libro, Divine Horsemen: the Living Gods of Haiti (1953), es considerado una de las principales fuentes en la materia. Sin embargo, el documental no fue terminado en vida, sino hasta los años ochentas, veinte años después de su muerte. Maya Deren fue una figura esencial para la creación del Nuevo Cine Americano, sobre todo el cine experimental, personal y underground. Ella escribía, dirigía, actuaba y editaba sus películas. En 1986, el American Film Institute creó el Premio Maya Deren, dirigido a cineastas independientes. |